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​⚡️ ARLO PARKS

TOP ALBEN 2020
 HAIM - WOMEN IN MUSIC PT. |||
 MAC MILLER - CIRCLES
 PINEGROVE - MARIGOLD
 LIME CORDIALE - 14 STEPS TO A BETTER YOU
 PEACH PIT - YOU AND YOUR FRIENDS
 PHOEBE BRIDGERS - PUNISHER
 SOCCER MOMMY - COLOR THEORY
 MURA MASA - R. Y. C.
 BHZ - KIEZROMANTIK
 THE CRIBS - NIGHT NETWORK

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• Heute Weihnachtspost schreiben
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​​Nehmt euch Zettel und Stift und schreibt an alle Leute, die ihr kennt! Sei es der Typ, neben dem ihr in der fünften Klasse gesessen habt (oft, wohnen die Eltern ja noch immer genau da, wo man früher zu Besuch war) oder eine Kollegin, die euch in diesem Jahr den Arsch gerettet hat oder besonders solidarisch war. Die Nachrichten sollten noch bis Weihnachten ankommen und versprechen einige liebe Antworten, die ihr in den Weihnachtstagen lesen könnt.
Im übrigen findet ihr hier ein paar eigene Kartendesigns zum Ausdrucken und Ausmalen – ganz for free! 

• Punsch it Baby!

Ja, schon klar – Alkohol ist keine Lösung, aber so ein super Punsch ist schon etwas Balsam für die Seele, riecht unnormal gut und kaum etwas ist so tröstend wie ein gutes Heißgetränk. 
Zusammen mit abgefreaked.de habe ich ein ziemlich starkes Punsch-Rezept in eine Playlist verwandelt, die schneller in Kopf und Füße steigt als der Alkohol - versprochen.
Hier findet ihr das Rezept und hier die Playlist!

• Falls alle Stricke Reißen

Greift zum Hörer! Bleibt nicht allein, vertraut euch Menschen an und gebt nicht auf!
Telefonseelsorge
0800 111 0 111 

Berliner Krisendienst 
Neun Standorte und Telefonedienste des Berliner Krisendiestes, steht zur verfügung und tut sein Möglichstes euch an jeder Stelle zu empfangen. Dort werdet ihr nicht alleine sein und die Leute geben alles, um euch ein gutes Gefühl zu geben. Auserseiter-Gefühl: Fehlanzeige!

Silbernetz
0800 4 70 80 90 
Das Silbernetz steht alleinstehenden, älteren und vereinsamten Menschen zur Verfügung und versucht sie mit Angeboten oder anderen Menschen in der Nachbarschaft zu vernetzen.

In der Freitagnacht wurde dem verurteilten Regisseur Roman Polanski eine weitere Auszeichnung für den Film „Intrige“ verliehen und ein weiteres Mal wurde ein sexuelles Verbrechen gebilligt, ein weiteres Mal darf man sich nun Diskussionen stellen, die fragen, ob man Kunst und Künstler nicht trennen könne (wenn es einem in den Kram passt) und auch ein weiteres Mal beruft man sich auf eine rein ästhetische Entscheidung. Doch wie konnte es überhaupt zu einem weiteren Polanski-Film kommen?

Trotz der mittlerweile 3-jährigen Me-Too-Debatte habe ich mir ein recht naives Bild der Kulturwelt aufrecht erhalten. Denn nach wie vor glaube ich, dass Kunst und Kultur gesellschaftlich vorangehen sollte, dass diese kleine Subgesellschaft besonders in der kleinen nicht-kapital-orientierten Szene, die bestmögliche liberale, offene Struktur einer freien, wagemutigen und gleichberechtigten Gesellschaft begünstigt. Durch das Auslösen von Emotionen und Denkanstößen glaube ich daran, dass Kunst mehr Menschen erreicht, inspiriert und einen Wandel besser vorantreiben kann, als Ethikunterricht, Sozialwissenschaften an den Universitäten oder Sonntagszeitschriften, deren Zielgruppe gerne in dem jeweiligen Konsens lebt. Doch die Schere zwischen meiner kleinen, idealisierten Alternativen Szene und der glamourösen Filmbranche, die auch einen kommerziellen Anspruch verfolgt, ist aufgrund der hohen Produktionskosten besonders groß, weshalb es umso wichtiger ist, dass Institute, Produktionsfirmen, Filmverleiher und Förderungen ihr Geld in die richtigen, sorgfältig ausgewählten Hände zu geben. Die Budgetrechnungen setzen quasi schon eine Selektion voraus, und jeder Penny ist hart umkämpft. Nur wenigen Regisseuren und noch weniger Regisseurinnen wird ermöglicht ihre Perspektive zu teilen, ihren Blick auf eine Situation oder einen Konflikt für mehrere Minuten aufzubauen, Leute damit einzunehmen, zu verzaubern, mitzureißen oder zu erschüttern und sie danach wieder auszuspucken und für einen Bruchteil in ihre Gedankenwelt einzudringen und sie mit den Geschichten und Bildern vielleicht sogar zu formen.

Im Falle „Intrige“, der die Dreyfuss-Affäre behandelt, hat man sich entschieden, diese Ehre Roman Polanski zukommen zu lassen. Als Regisseur, der in einem jüdischen Getto groß wurde, mag dies zum Film thematisch zu passen, doch bin ich mir sicher eine andere jüdischer Regisseurin, ein anderer jüdischer Regisseur, hätte einen ähnlichen Film-Epos erschaffen können und eine Aussage treffen können, die nicht von Vergewaltigungsvorwürfen überschattet wird. Die Wahl des Regisseurs mit Polanskis jüdisch-sein zu rechtfertigen ist vorschnell und lässt in einigen Argumentationsketten äußerst zweifelhafte Umkehrschlüsse zu - sollte man dabei auch infrage stellen, ob sich JüdInnen tatsächlich von Polanski repräsentiert sehen wollen, wo es doch viele andere JüdInnen mit beeindruckender Vita gibt. Diese Argumentation, die von mehreren defensiven Seiten angedeutet wurde (beispielsweise vom Casar-Gremiums, das Polanski am 28.02.2020 gezielt auszeichnete und seinen Film zwölfmal nominierte), rechtfertigt die Regiebesetzung mit der Biografie des Künstlers, webt dabei selbst ein untrennbares Band zwischen Kunst und Künstler und hebelt damit doch ihr wichtigstes Argument bzw. die zentrale Frage dieser Diskussion aus.​

Die Diskussion um eben jene Trennung hat mittlerweile jegliche Ernsthaftigkeit verloren und wird von Fall zu Fall anders beantwortet - wie es eben gerade passt. Es ist eine Debatte, die ich gerade noch zulassen kann, wenn es darum geht, ob man sich am Abend, um im Polanski-Kontext zu bleiben, Rosemarys Baby anschaut oder nicht. Doch wenn es darum geht, welchem Künstler man für seine Arbeit 25,500,000 Euro zur Verfügung stellt, sollte man sich gründlicher überlegen, ob man diese Summe tatsächlich in die Sicht eines verurteilten Vergewaltigers, gegen den 6 weitere Vorwürfe in der Luft liegen, investiert. 25,500,000 Euro haben Roman Polanski ein weiteres Werk ermöglicht, dass uns erneut zu dieser Diskussion zwingt, das Frauen dazu bringt einen Saal zu verlassen und der eine „Lynchjustiz“ der Frauenrechtlerinnen formt (Polanski’s Worte in Bezug auf sein Fernbleiben der Cesar-Verleihung). Es sind 25,500,000 Euro, die einem Täter die Möglichkeit geben eine wichtige Geschichte cineastisch und nicht zuletzt moralisch aufzubereiten, und gleichzeitig werden damit anderen möglichen KandidatInnen diese herausragende kulturelle und gesellschaftliche Position verwehrt. Weltkino und Playtime finanzierten lieber die Kunst eines Straftäters, der seiner eigenen Strafe seit über 30 Jahren entgeht, als die eines oder einer Anderen oder einer Anderen. Dabei erwartet man doch bei solchen Summen eine reflektierte, gescheite Wahl; eine Wahl, die künstlerisch wertvoll ist, die der europäischen Kunstszene würdig ist, und die nach drei Jahren Debatte ihre Schlüsse zieht und nicht 25,500,000 Euro in die verurteilten, schmutzigen Hände Polanskis legt. 
Der Cesar hat sich entschieden eben nicht nur Polanski und diesen Film auszuzeichnen, sondern auch die Leute zu bestätigen, die diesen Mann auswählten und sich trotz all dieser Argumente wohl darauf verlassen konnten, dass sein Name Menschen ins Kino zieht, die nichts darüber wissen oder sich auf seine Seite stellen. Es zeigt, dass das Netzwerk dieses Mannes schwerer wiegt, als eine moralische Diskussion um Sexismus und dass seine alten Kumpels, die in den großen Läden etwas zu sagen haben auch heute noch diese Positionen bekleiden oder weiterhin Macht ausstrahlen. Es zeigt leider auch, dass ein Polanski-Film noch ein super Sprungbrett für deine Karriere ist und viele gerne mit ihm zusammen arbeiten wollen, auch Schauspieler und -innen die am Weltfrauentag mutig #metoo tweeten. Dass „Intrige“ nun erneut ausgezeichnet wird, ist nur eine logische Konsequenz dieser Kausalkette, dieser Entscheidung und der Billigung von Polanskis „einer Sünde“.

In leichten Wellen fielen Ilgen-Nur die Haare über die Schulter. Lässig zurück-gelehnt, saß
sie auf dem Stuhl in den Räumen ihres Managements, wo ich die New Comerin treffen
durfte, um über ihr Debütalbum Power Nap zu sprechen; In einer Hand eine selbst
gedrehte Zigarette, in der anderen eine Strähne. "Es ist einfach nur ein gutes Gefühl, dass
es jetzt draußen ist und man nicht mehr nervös darauf wartet oder noch einmal an Sachen
herumbastelt."
Wem dieser Name noch kein Begriff sein sollte, hat dringenden Nachholbedarf, denn wie
mehrere aktuelle Künstlerinnen auf der ganzen Welt, hat sie sich dazu entschlossen, ihren Teil zur Rettung der Indiemusik beizutragen und verleiht der mehrmals für Tod erklärten Gitarrenmusik eine sehr lebendige und innovative Seite.
​10 Songs zählt das Album, das mit markantem, klarem Stil und kohärenten Themen
auftritt, was bei einem Erstlingswerk bemerkenswert ist:
​"Das war eigentlich ein ziemlich organischer Prozess. Auf der EP war noch nicht so klar, wie sich die Musik entwickeln wird, aber für das Album habe ich mir auch zwei Jahre Zeit genommen, war viel auf Tour und habe so meinen Stil mehr und mehr gefunden, ohne darüber viel nachzudenken."
Die Songs schreibt sie für sich selbst, allein, im stillen Kämmerlein. An ihrer E-Gitarre fühlt
sich Ilgen-Nur am wohlsten, schreibt Notizen für Bass oder Klavier und präsentiert die
Songs erst ihrer Studioband, wenn sie diese auch sicher allein performen und
präsentieren kann. Erst dann wird gemeinsam an den Arrangements gearbeitet, doch
Melodie und Texte sind allein Ilgen's Werk und daher fix. "Meine Band ist super, aber ich
bin einfach zu sehr Kontrollfreak, um mit anderen zu schreiben."
In der letzten Woche folgte ein Interview auf das andere, zahlreiche Reviews erschienen,
langsam fällt der Druck von ihren Schultern, denn die Stimmen der Presse, sind
überwiegend positiv.
Dennoch hat mich meine Recherche der letzten Woche stutzig gemacht, denn kaum ein
Bericht kam ohne die Stichworte Slackerqueen, Coming of Age und Generation Z aus.
Aktiv oder bewusst hat Ilgen-Nur keine dieser Themen und Beschreibungen zu ihrer
künstlerischen Identität gemacht. Nachdem sie den ersten Begriff erst einmal
nachgeschlagen hat, konnte sie schon verstehen, woher es kommt "Ja ich schlafe viel und
mein Album heisst Powernap, aber so viel Faulheit kann man sich als junge Künstlerin
auch nicht leisten. Eigentlich finde ich, dass ich mich eher zum Workaholic entwickelt
habe."
Auch die andren beiden Charakterisierungen zeigen nur eine Facette der textlichen Welt,
der sich Ilgen-Nur widmet. Als Jahrgang 1996 teilt sie Probleme mit ihrer Geration und
befindet sich in einer Episode, die schnelllebig ist und in der sich viel verändert. Es ist nur
eine logische Konsequenz, dass sich dies auch in ihren Texten widerspiegelt, wobei ihr
Publikum von 14 an nach oben offen sehr durchmischt und divers ist.
Doch zu viel Zeit vor dem Handy zu verbringen ist eben nur eine Zeile und wird gefolgt von
kritischen, dunklen und düsteren Themen, die stärker in den Fokus gerückt werden sollten.
"Vielleicht haben die Leute Angst mit mir wirklich über die düsteren Texte zu sprechen,
obwohl ich da ganz klar sage was Sache ist!" Sie bezieht sich dabei auf TV, ein Song, der
auch in die Schublade Zeitvertreib und Prokrastination gelegt werden könnte, wäre da
nicht der scharfe Refrain: But I could be anyone | I could be having fun Come on, take me
out, take me out my own house
Generell öffnet sich die junge Musikerin in ihren Songs und präsentiert sich ehrlich und
ungefiltert. Mit wenigen lyrischen Schlenkern, malerischen Bildern und fiktiven Situationen
spricht sie von sich, ihrer Welt, ihren Problemen und Gedanken, ohne dabei sowohl ihr
Umfeld als auch die eigene Person vor Publikum zu kritisieren. "Ich schreibe kein
Tagebuch. Ich schreibe Songs", sagt sie mit einem durchdringenden Blick, der mir
verdeutlicht, dass ihr die Ehrlichkeit ihrer Texte viel bedeutet und es Mut verlangt vor so
vielen Menschen, Fehler einzugestehen, wie sie es in New Song II tut.
Gleichzeitig hilft der Prozess des Songwriting, Verhaltensweisen zu erkennen und
abzulegen.
Der ruhigste Song der Platte, der die Flucht in die Unerreichbarkeit, wenn die Dinge nicht
mehr so laufen, beschreibt - wir Millennials nennen das übrigens ghosten - zeigt eine
verwundbare und reuevolle Seite. Ein ziemlicher Arschlochmove, dem die meisten schon
einmal zum Opfer geworden sind, alles in allem aber mehr Verdrängung als eine bewusste
Entscheidung ist.
​Gleichzeitig sieht sich Ilgen-Nur anderen Phänomenen der Schnelllebigkeit ausgesetzt.
"Man verpasst einfach immer etwas. Irgendein Freund ist immer in einer Bar oder auf einer
Party und es ist schwer geworden alleine zu sein, obwohl ich das immer viel und auch
gerne war.“
Mittlerweile hat sich ihr Lebensmittelpunkt nach Berlin verschoben, wo die ruhigen Minuten
immer weniger werden. Doch gerade die Melancholie ist die größte Inspirationsquelle,
weshalb Phasen von Glück und Zufriedenheit die Musikerin eher nervös machen:
"Worüber soll ich denn jetzt schreiben?!" Kein Wunder, dass die Lethargie in jedem Song
mitschwingt und der entspannte, faule Slackerlifestyle letztlich von der Ernsthaftigkeit mit
der sie über ihre Deep Thoughts und die Einsamkeit zerschlagen wird.
Bereits auf der EP brachte Ilgen mit No Emotions einen Song voller Wut und
Empowerment raus, der hinter dem Wirbel um ihre Person, ihre Herkunft, ihrem
Geschlecht und ihre Coolness unterging.
"Wieso müssen meine türkischen Wurzeln, denn schon immer im zweiten Satz erwähnt
werden?! Meine Musik ist kein bisschen davon beeinflusst, es ist zu hundert Prozent
amerikanische, britische Indiemukke."
Der Fokus hat sich ziemlich auf die Persona Ilgen-Nur verlagert, anstatt die tollen
Basslines zu thematisieren, die In My Head erst besonders machen, ihre gesanglichen
Qualitäten herauszuarbeiten, die im Indierock durchaus keine Voraussetzung sind oder
den Mut ihrer Worte, wert zu schätzen.

In den kommenden Monaten könnt ihr Ilgen-Nur auf einer großen Tour erleben, auf der auch einige internationale Locations besucht werden.
Doch nun wird erst einmal genau hingehört und Power Nap in allen Einzelheit, Facetten und Momenten aufgesogen. Kommt, wir wälzen uns in der Melancholie, um dann gestärkt wieder hervorzugehen - sollte das nicht der Grund für Musik sein?!

Mit seiner Gitarre auf dem Schoß hatte es sich Sam Johnson bereits auf den breiten Holzstufen hinter dem großen Universal-Komplex bequem gemacht und zupfte seelenruhig vor sich hin.
Es herrschte ein reges Treiben am Spree-Ufer, die Sonne stand hoch und seine beschwingten Songs reihten sich ganz organisch in das Bild der ausgelassenen Sommerfreude eines Freitag Nachmittags ein. Hinter dem jungen Briten liegt ein ereignisreiches Jahr. Seit seinem Release seiner ersten Single  The Perfect Circle  ist viel passiert: 

„Ich lebe jetzt in einer WG in London, während ich vorher total ländlich gewohnt habe und Songs wie ‚The Perfect Circle‘ nur auf kurzen Besuchen in London entstehen konnten. Ich bekam einen Plattenvertrag, wir haben eine EP aufgenommen und meine langjährige Beziehung endete in diesem Jahr. Erst in den letzten Wochen wurde außerdem mein Elternhaus in Shropshire verkauft. Meine Mutter und ich haben es gemeinsam ausgeräumt und ich bin sicher, darüber werden noch einige Songs entstehen.“

Die  am 01.11. erscheinende EP widmet Johnson den Eastcoat Studios, die in der aufregenden Zeit sein musikalisches Zuhause wurden. Hier arbeitete er in erster Linie mit Elliot James zusammen, der auch die neueste Single Trip on Gold produzierte. 
Ein schneller Gitarrenrhythmus, ein Klatschen und ein ziemlich leichter Beat geben einem schnell das Gefühl in einem Cabrio übers Land zu brausen; Freiheit und Beschwingtheit sind zentrale Elemente der EP. 
Auch die Single  Medicine For My Brain wird von der Gitarre dominiert und brachte Johnson letztlich die nötige Aufmerksamkeit der Plattenfirmen und das, obwohl er die Musikindustrie ausgerechnet in diesem Song aufs Korn nimmt. Ab heute gibt es den Song auch in einer Acoustic Version. 

„Ich wollte in erster Linie ausdrücken: Hey, ich freue mich, meine Musik selbst zu machen, ich habe Spaß daran und bin nicht auf eine Plattenfirma angewiesen. Jetzt wo ich diesen Deal habe ist es natürlich unglaublich! Ziemlich ironisch, da schreibt man so einen Song und erreicht damit die Labels.“

Trotzdem lässt sich Sam Johnson nur wenig reinreden, ganz besonders was die Texte angeht, die für das Herzstück seiner Musik sind. Es sollen seine Worte sein, die er singt, die die Leute hören und nicht die Worte von jemand anderem. Und tatsächlich verhandelt Sam in seinen Songs gar nicht so fröhliche Themen, wie es die Melodie andeutet. 
Da kommt es schon mal vor, dass zu den fröhlichen Klängen und über den mitreißenden Beat die besagte Trennung oder der Tod des Vaters verarbeitet wird - 
belanglosem Radiogedudel sagt er damit den Kampf an.

„Ich finde es cool, wenn tiefe, traurige, vielleicht sogar dunkle Texte einen Funken Licht in der Melodie meiner Musik finden. Es ist wie ein kleiner Zaubertrick - in einem Moment ist man glücklich und möchte dazu tanzen, aber wenn man sich hinsetzt und sich mit meinen Songs auseinander setzt, offenbart sich diese andere Seite.“

Verschmitzt lacht der Musiker, als ich ihn nach seinen Träumen und der perfekten Karriere frage: „Ohje berühmte letzte Worte…“ 
Auch in Zukunft soll sich nichts daran ändern, wie er Musik schreibt und damit Themen verarbeitet. Zwar verlässt er sich auf sein Produktionsteam, versucht viel in den Eastcoat studios zu lernen, aber letztlich möchte er sich weiterhin im Songwriting auf seine eigene Intuition verlassen.

„Meine Musik soll immer einen Effekt auf die Menschen haben und nicht seinen Wert verlieren. Es ist wichtig authentisch zu bleiben, mich nicht zu verbiegen und und ich denke dabei ist es wichtig, dass meine Texte weiter im Fokus stehen.“

Die Entschlossenheit, mit der Johnson spricht, lassen eigentlich kaum Zweifel daran, dass sein großes Vorhaben in die Tat umgesetzt wird und er sich dabei nicht im täglich Geschäft mit Popmusik verliert.
Nun folgt erst einmal die Eastcoat EP am 1. November und auch darauf werden also noch einige Songs von Sam Johnson folgen, auf die man sich freuen kann!

Ende April erschien bereits Billie Martens zweites Studioalbum, das den wunderschönen Titel Feeding Seahorses by Hand trägt. Ähnlich malerisch ist die Sprache ihrer Songs, die mit so viel Leichtigkeit dahingleiten, dass es fast weh tut, das Album in der Stadt zu hören.
Doch weit ab von Lärm, Asphalt und verbauter Sicht, lädt sie zum Fliegen ein.
Die Musikerin kombiniert klassische Folkelemente mit ihrer zarten Singersongwriter-Stimme und erinnert dabei an Laura Marley und Lucy Rose - schließlich war es auch ein Lucy Rose Song, der Billie vor mittlerweile acht Jahren zu einem kleinen viralen Hit machte. Seitdem hat sich viel bei der damals Zwölfjährigen getan. Sie ist erwachsener geworden, hat die Schule besucht, ein Album veröffentlicht und auf dem Leeds Festival performt. 
Der erste Song Cartoon People ist bereits verstörend schön und es fällt nicht schwer mit den ersten Klängen abzuschweifen, von Dingen die man sowieso nicht wirklich machen wollte und Billie Marten in Richtung Krise zu Folgen, wie es am Ende des Songs heißt. Man sollte es als Warnung verstehen, denn immer wieder folgen ziemlich viele depressionslastige Passagen, die mit Härte und Deutlichkeit formuliert sind und einen starken Kontrast zur Zerbrechlichkeit der Klänge bilden. Kleinlaut, leise und zaghaft schleicht man von Song zu Song, ohne dabei so richtig zu merken, ob man nun traurig ist oder berührt und beflügelt vom weichen Sound.
Eine diffuse Gefühlsmasse baut sich auf, die die Müdigkeit und Unklarheit einer Depression ziemlich auf den Punkt bringen. Dennoch hinterlassen die Lieder keine klaffenden Wunden, sondern entwickeln durch die starke Bildsprache immer wieder kleine Momente der Friedlichkeit. Erst Toulouse durchbricht das Muster und geht entschlossener in Richtung Freiheit und bildet einen kleinen glückseligen Anker innerhalb des Albums. Ich war noch nie dort, doch Billie Marten pflanzt das Kleinstadtgefühl eines Ortes in der Sonne in mich hinein, wo es sich rasend vermehrt. Die Stimmung färbt auch auf den folgenden Titel ab und macht das wohl schwerste Lied des Albums etwas erträglicher. She Dances beginnt ähnlich tänzelnd, doch der Refrain bricht gleich mehrere Herzen. Es wird ein zauberhaftes Motiv nach dem Anderen aufgebaut und ihm anschließend jegliche Farbe entzogen:
She howles as she dances | Just like a wolf
Schließlich endet das Album mit Fish ziemlich versöhnlich und mit einer harmonischen Zweistimmigkeit und einem letzten Bild, das sich in Pastelltönen und Wasserfarben vor einem ausbreitet: Ein ruhiges, friedvolles Meer, in das das Mädchen vorsichtig hinein gleitet und mit einem Lächeln vor sich hin summt und schwimmt Like a Fish.
Billie Marten entlässt den Hörer also mit einem kleinen Hoffnungsschwimmer, der sich durch die letzte fast gesprochene Zeile einprägt und festsetzt und für mich fast eine kathartische Wirkung hat.
Es ist ein Album für einige wenige Momente, und obwohl die Playlists, auf denen die Titel gelistet sind anderes vermuten lassen, definitiv kein Album für nebenher. Denn wenn man nur einmal ein paar der Worte aufschnappt, saugt es einen hinein in die Poesie und die karge Welt einer depressiven, jungen Sängerin, die keine Angst hat ihren Kummer zu teilen. 
Am Ende scheint jedoch der Heilungsprozess und die Überwindung der Krise, die den Anfang machte, stärker zu wiegen.